Code x Couture : Réinventer de manière responsable l’avenir de la mode africaine

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Auteur : Bardot

 

 

Introduction :

Pour revenir sur les 12 derniers mois, notre dernier article de l’année porte sur la table ronde Code x Couture : repenser consciemment l’avenir de la mode africaine, à laquelle Bardot, fondatrice et directrice culturelle et mode de House of Nyabinghi, a été invitée à prendre la parole le samedi 15 novembre 2025.

Organisé par Creatives Garage, une organisation artistique pluridisciplinaire qui offre une plateforme aux créatifs basés à Nairobi, au Kenya, cet événement d’une journée a célébré la créativité et l’innovation à la croisée de la mode et de la technologie.

Au programme : un défilé, des sets de DJ et des expériences interactives explorant la manière dont des outils émergents tels que l’IA, la fabrication numérique et les technologies portables transforment l’industrie de la mode. Le public – composé de designers, d’artistes, de spécialistes des technologies, d’étudiants et de défenseurs du développement durable du Kenya et de la région – souhaitait comprendre comment le patrimoine culturel et l’artisanat traditionnel peuvent s’allier à l’innovation pour créer, à l’intention des créateurs africains, un avenir du design plus durable et inclusif.

Animée par Bakhita Mutete, fondatrice de 25 Sw4p, la table ronde réunissait Bardot et les intervenants invités suivants : Eneni Bambara-Abban – responsable principale des relations pour le cinéma et les technologies créatives au British Council ; Nathalie Naina – responsable de la communication chez Africa Collect Textiles, une entreprise spécialisée dans le recyclage textile et la mode durable ; et Luca Rosa – cinéaste, styliste et décorateur de plateau, qui a travaillé sur Gikomba Fashion.

Voici un résumé des questions-réponses, avec les sous-thèmes auxquels Bardot a répondu.

 

1.   Racines et sources d’inspiration

Q : Parlez-nous un peu de vos origines et de leur influence sur votre vision créative.

R : Mes origines sont pour le moins vibrantes et pleines d’énergie. Je suis née au Royaume-Uni, tandis que mes parents et mes deux grands-parents sont originaires de l’île de la Jamaïque. De plus, sept de mes huit arrière-grands-parents sont nés en Jamaïque, dont l’une de mes arrière-grands-mères maternelles, qui était d’origine indienne. Ma huitième arrière-grand-mère, du côté paternel, a fui la Syrie – lors de la chute de l’Empire ottoman, au XIXe ou au XXe siècle – pour rejoindre la Jamaïque.

La généalogie est magnifique, et les progrès technologiques – lorsqu’ils sont mis au service de causes altruistes – nous permettent de retrouver des ancêtres ayant vécu il y a plusieurs siècles. J’ai la chance d’avoir une cousine du côté paternel qui a réussi à retrouver l’une de nos ancêtres directes, une femme réduite en esclavage qui s’est enfuie d’une plantation jamaïcaine et qui, à notre connaissance, n’a jamais été rattrapée par les propriétaires d’esclaves. Elle a misé sur elle-même et a disparu de cette plantation, s’aventurant dans les étendues sauvages de la Jamaïque. Pas de place pour la peur. Juste elle, le clair de lune et Dieu. Il fallait une foi profonde, une résilience, une sagesse et une vision hors du commun. Je suis très fière d’être issue d’une lignée aussi puissante.

Cette riche mosaïque, façonnée par les forces de la lutte pour la liberté, de la traite transatlantique des esclaves, de la colonisation, de la guerre et du travail sous contrat, a profondément marqué mes racines et mon identité. Elle est la source inépuisable d’inspiration de ma vision et de ma production créatives. 

Q : Comment conciliez-vous votre travail dans des contextes mondiaux et africains, tout en plaçant l’authenticité au cœur de votre expression créative ?

R : En ancrant chaque aspect de nos principes dans les valeurs de notre marque : la créativité, le patrimoine, l’innovation, l’amour et l’ubuntu, qui font aussi place aux récits centrés sur l’Afrique. Nous adaptons notre travail à un public mondial sans diluer les racines culturelles qui définissent notre identité.

Nous cherchons à collaborer à l’international, mais l’Afrique et sa diaspora resteront toujours nos priorités, car nous savons à quel point notre identité noire et notre culture sont sacrées et précieuses. La diversité de nos voix, de nos langues, de nos rythmes, de nos mouvements, de nos esthétiques et des autres éléments des sociétés noires prouve sans l’ombre d’un doute que nous ne sommes pas, et n’avons jamais été, un bloc homogène. Sans renoncer à l’authenticité de notre expression créative, nous pouvons toujours protéger et préserver la culture noire, tout en célébrant nos progrès.

 

2.   À la croisée du tissu et du code

Q : House of Nyabinghi se situe au croisement de l’afrofuturisme et de la préservation culturelle. Qu’est-ce que cela signifie concrètement ?

R : Prenons un exemple : notre initiative 10 Word Story est un projet annuel de micro-récits qui invite chacun à exprimer, en dix mots percutants, ce qu’il trouve de beau dans son identité noire, son patrimoine ou sa vision. Pour les alliés, il peut s’agir d’exprimer ce qu’ils admirent, saluent et apprécient – sans se l’approprier – dans la culture noire, à petite ou grande échelle. Nous transformons ensuite ces récits archivés en d’autres contenus multimédias, qui peuvent se retrouver sur :

• des étiquettes de vêtements
• des lookbooks
• des produits lifestyle
• les réseaux sociaux
• des murs d’exposition
• des films de marque
• des superpositions en réalité augmentée.

Tous ces éléments s’intègrent à la culture et aux rituels de House of Nyabinghi, jusqu’à ce que chaque création porte un jour un récit de 10 mots, comme une affirmation, un cypher ou une prophétie.

Q : Comment faire coexister les techniques artisanales traditionnelles et la technologie au lieu de les opposer ? Et comment celle-ci peut-elle servir à archiver ou à faire rayonner les récits de mode patrimoniale d’Afrique et de sa diaspora ?

R : En bref, la technologie peut être une alliée et un formidable outil pour orienter votre création. Elle ne doit toutefois pas servir de substitut. En fonction de votre budget, je recommande d’utiliser plus intelligemment les technologies auxquelles vous avez déjà accès pour documenter, visualiser et/ou développer les procédés artisanaux sans remplacer le savoir-faire humain qu’ils mobilisent. Par exemple :

• Créer des bibliothèques numériques de motifs pour archiver les dessins et motifs réalisés à la main.
• Réaliser des vidéos haute résolution pour préserver les gestes et les mouvements des maîtres artisans.
• Utiliser la numérisation 3D pour documenter les techniques complexes de tissage ou de perlage multicouche.

Fabrication hybride : artisanat et fabrication numérique – plutôt que d’automatiser la production de masse, la technologie peut offrir aux artisans de nouvelles façons de développer leur art. Cela pourrait prendre les formes suivantes :

• Application de générations de motifs assistées par l’IA, inspirées du travail artisanal traditionnel, puis optimisation de ces multiples ensembles de données afin de créer, modifier et restructurer des créations en lien avec le secteur de l’industrie créative
• Développement de techniques de découpe laser pour créer des patrons destinés à la broderie à la main ou à d’autres savoir-faire
• Utilisation de composants imprimés en 3D qui s’intègrent à des textiles tissés ou teints à la main.

Je recommande à tous de découvrir le travail de l’agence de design basée à Nairobi, Hisi Studio, une marque de mode adaptée spécialisée dans la fabrication numérique et les pratiques textiles durables.

Archiver la mode patrimoniale à travers l’Afrique et la diaspora

a) Représentoirs numériques du patrimoine – en raison de la colonisation et du pillage d’actifs culturels à des fins financières et d’exploitation, l’histoire de la mode du continent africain est soit dispersée entre certaines nations du continent, soit non documentée, soit conservée dans des institutions étrangères. C’est là que la technologie devient votre alliée, et je recommande de l’utiliser pour remédier à ces problèmes en créant :

• Des archives numériques appartenant aux communautés sur les textiles, les vêtements, les outils, les teintures et les histoires orales
• Des bases de données en libre accès permettant aux utilisateurs de faire des recherches par région, ethnie, technique, créateur, marque ou conservateur culturel.
• Des chronologies interactives illustrant les migrations des styles à travers les nations respectives, les régions et la diaspora africaine au sens large.

b) Documentation immersive – de plus, je recommande des médias immersifs :

• Pour permettre aux personnes de réaliser des « visites interactives » en utilisant des expériences de RA/RV afin de voir comment les tissus sont fabriqués et conservés, par exemple le kikoy porté par les femmes au Kenya, à Zanzibar et en Tanzanie ou le tissu « kanga » à bordure rouge qui orne les hommes massaï du Kenya.
• Pour aider à développer des musées virtuels entièrement accessibles à tous les niveaux d’apprentissage, qui mettent en valeur les créateurs ou les techniques sous-représentés au Kenya et dans toute l’Afrique.
• Ou pour montrer en détail comment les techniques d’impression, de teinture et de tannerie ont évolué au fil du temps dans différentes régions.

Les chercheurs, les créateurs, les étudiants et les gardiens culturels africains devraient utiliser la technologie pour atteindre et maximiser leurs objectifs créatifs, car, lorsqu’elle est bien utilisée, la technologie que vous choisissez peut servir à documenter, soutenir et prolonger votre savoir-faire, plutôt qu’à le remplacer. Les outils numériques que vous utilisez également – qu’ils soient existants ou nouveaux – contribuent à amplifier et à protéger notre patrimoine africain collectif.

En agissant ainsi, vos communautés locales, régionales et nationales conservent la paternité et le contrôle de tous vos actifs culturels, qui contribuent à protéger les connaissances qui pourraient autrement être perdues ou volées par des gouvernements ou des entreprises étrangères. En somme, les créateurs africains et la diaspora au sens large sont alors mieux armés pour créer des œuvres contemporaines ou tournées vers l’avenir qui honorent toujours les origines identitaires fondamentales de leur savoir-faire respectif.

 

3.   Défis, représentation et collaboration

Q : Nombre de vos projets célèbrent la communauté et la collaboration. Comment la mode peut-elle devenir un acte collectif plutôt qu’individuel, en réunissant les créateurs, les artisans et les technologues africains ?

R : Je dirais en collaborant autour de visions et d’objectifs communs. Je crois que les créateurs, les artisans et les technologues africains peuvent et devraient également travailler collectivement pour développer et mettre en œuvre les principes suivants dans un cadre convenu :

• Les concepts (c’est-à-dire vos idées, votre but et votre signification).
• Les communautés (c’est-à-dire les lieux où les gens se rassemblent pour se sentir vus et entendus, leur lieu d’appartenance).
• Les rituels (c’est-à-dire vos actions répétées, vos pratiques, vos événements et votre narration qui portent un sens).
• L’authenticité (c’est-à-dire la compréhension et l’acceptation de qui sont les gens, de leur sincérité, de leurs valeurs et de leur intégrité).

Une fois testée et examinée, cette stratégie robuste peut être appliquée et répétée pour plusieurs voies au sein de l’industrie créative, pour l’amélioration présente et future de l’Afrique dans son ensemble – et de sa diaspora.

Q : Quels sont certains des obstacles auxquels les créateurs africains sont confrontés pour s’approprier leurs récits à l’échelle mondiale, et comment pouvons-nous les surmonter ?

R : Ah, celle-ci est évidente… s’approprier, sécuriser et protéger sa propriété intellectuelle (PI). J’ajouterais aussi qu’il serait utile que chaque nation du continent dispose de structures gouvernementales solides qui protègent les droits des créateurs africains sur leurs actifs sur le marché mondial contre l’utilisation abusive ou le vol, par exemple, et que l’application de ces droits s’accompagne de lourdes sanctions à l’encontre des organisations ou des particuliers étrangers qui enfreignent ces lois.

De plus, en raison des avancées occidentales en matière d’IA et de technologies en général, vous pourriez être le premier à faire quelque chose ou non ; cependant, c’est l’authenticité de votre profondeur et de votre richesse culturelles qui finira par séparer le bon grain de l’ivraie.

Q : Avec la génération croissante de motifs, d’images et même de tissus par l’IA, comment pouvons-nous protéger l’artisanat, la narration et l’originalité contre l’automatisation ?

R : Grâce à des programmes d’autonomisation économique surveillés – la technologie peut soutenir les artisans en :

• Fournissant des outils de traçabilité et des étiquettes à code QR qui racontent l’histoire du créateur.
• Veillant à ce que les ministères de la culture fournissent un soutien financier et des voies d’action efficaces pour aider les entreprises créatives à protéger leur PI.
• Utilisant des salons professionnels tels que « Première Vision » pour présenter votre travail et entrer en contact avec des acheteurs internationaux légitimes, le tout au sein d’un écosystème numérique sécurisé.

En somme, la technologie que vous utilisez devrait amplifier la valeur et la créativité de votre travail manuel plutôt que de les réduire.

 

4.   Conclusion

Q : En une phrase, que signifie personnellement « Code & Couture » pour vous ?

R : Pour moi, cela signifie un langage ancien comme les hiéroglyphes qui est, dans le cas des personnes noires et de notre noirceur, un ensemble spirituel de codes dont nous détenons les titres de propriété. Il est dans notre âme, nos cheveux, notre peau, notre danse, nos mesures alimentaires (c’est-à-dire non écrites), mais un langage tacite de sentiments entre nous ici, les vivants, nos ancêtres et les membres de notre famille qui ne sont pas encore nés.

La façon dont nous nous ornons de manière créative et faisons évoluer constamment nos styles est l'expression visuelle symbiotique de ce langage codé.

 

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